Gentile Artista,
Art&fortE organizza la rassegna "posSESSO – corpo e ossessioni".
Durante il vernissage inaugurale, sabato 19 luglio alle 18.30, Art&fortE avrà l'onore di ospitare il maestro Tinto Brass con il quale converseremo sul tema dell'evento.
posSESSO si terrà al prestigioso Spazioeventi Mondadori, San Marco, Venezia, dal 19 luglio al 24 agosto 2008.
In allegato trova il concept, il regolamento ed il modulo di adesione.
Il tutto è scaricabile anche dal nostro sito www.arteforte.it nella pagina degli eventi dedicata a posSESSO.
Certi di averle fatto cosa gradita la salutiamo cordialmente
Art&fortE
info@arteforte.it
www.arteforte.it
ARTEFORTE CONTEMPORARY ART
MARTÍN BLASZKO - RETROSPECTIVA
Una importante retrospectiva del maestro del arte concreto, cofundador del grupo Madí se exhibe en la galería Laura Haber hasta el 3 de junio
ARTE BA' 08 - ISIDRO MIRANDA
NORA ASLAN - KARINA EL AZEM
STAND - D 32
San Telmo / San Isidro – Buenos Aires - Argentina
Seis cuotas sin interés en todas sus compras en la galería o en ArteBa durante esta semana
ISIDRO MIRANDA
CONCEPCIÓN CON NUEVO MUSEO
El museo funcionará en la mansión Otaño, lugar cedido por la Municipalidad local. En el mismo se podrán observar obras de artistas concepcioneros y de otras localidades del norte del país.
La idea surgió del artista norteño Carlos Colombino, quien señaló ayer en la inauguración: “Este lugar albergará obras de todas los artistas concepcioneros, descendientes, esposas y nacidos en cualquier lugar por encima del trópico de Capricornio”.
También agradeció a la Escuela Taller que, según dijo, “ha hecho un trabajo fantástico para recuperar la mansión Otaño”.
Además, mencionó que “el museo que tenemos ahora en Concepción no existe en ningún lugar del interior del país. Esto no es un regalo, es un trabajo que de alguna manera nos va a devolver el sentido de pertenecer a este sitio del Paraguay. Agradezco también a todos los artistas que aportaron sus obras”, finalizó.
Colombino hizo una visita guiada en el nuevo museo de Concepción. En la foto, se refiere a la obra de Benjazmin Ocampos.
Con esta habilitación se pretende juntar las obras de artistas de esta parte del país y de los nacidos más al norte, además de descentralizar la cultura hacia los rincones más alejados del país.
Luego de la habilitación del nuevo museo se realizó una visita guiada por Colombino, explicando las obras y dando a conocer los nombres de los artistas.
La restauración de la Mansión Otaño, que se encuentra en Cerro Corá esquina Mcal. Estigarribia, pleno centro de la ciudad, fue posible gracias al apoyo de la Agencia Española para la Cooperación Internacional y el Desarrollo (AECID).
HORA PARA EL ARTE LATINOAMERICANO
¿Se trata de un 'boom' de arte latinoamericano? El tiempo lo dirá, pero los artistas contemporáneos nacidos al sur de E.U. están siendo vistos con mejores ojos que dos décadas atrás por quienes deciden en el mercado: los coleccionistas norteamericanos y europeos.
Por ejemplo la famosa Galería Tate (Londres), que se precia de ser el museo de arte contemporáneo más visitado del mundo, exhibe a la colombiana Doris Salcedo con su ya famosa grieta que atraviesa toda la Sala de las Turbinas.
El Museo de Arte Moderno de Nueva York (Moma) terminó el mes pasado una exposición llamada 'Nuevas perspectivas del arte latinoamericano', donde participó el colombiano Álvaro Barrios, con la serie de grabados propiedad de ese museo. Fundaciones de Europa, como Daros (Suiza) y de América como Patricia Phelps de Cisneros tienen sendas colecciones de arte latinoamericano. Además otras, como la Fundación Cisneros (Cifo) brindan apoyo a artistas. Precisamente, el colombiano Ícaro Zorbar, de 30 años, está en Nueva York desarrollando su trabajo por una invitación de Cifo. Y si de dinero se trata, las casas de subastas más importantes, Sotheby's y Christie's, pusieron el ojo en el arte latino y rematan trabajos con éxito en su mayor parte apenas superado por ventas de impresionistas o de artistas de E.U. Dos sesiopornes de arte latinoamericano en la casa Sotheby's en noviembre de 2006 alcanzaron 17.324.000 dólares. En el mismo mes del año pasado la suma fue de 21.763.500 dólares, un incremento del 17 por ciento, aproximadamente.
También en Christie's, en noviembre pasado, una venta de arte latino alcanzó 28.808.563 dólares. Por el mismo mes una subasta de arte y diseño japonés llegó a 4.229.749.45 dólares y de arte ruso, incluidos huevos Fabergé de la colección Rothschild, a 26.194.029 dólares. Tales cifras no se pueden comparar con las alcanzadas por remates de arte contemporáneo de la posguerra que en tres sesiones del mismo 2007 llegaron a 324.992.000 dólares.
El conocido galerista Jacobo Karpio, cuya sede está en Costa Rica (uno de los cuatro latinoamericanos nombrados en el libro 'Galerías de arte internacionales, de la posguerra al posmilenio', donde figuran las galerías que han hecho historia en el arte actual, señala que empieza a haber un mayor reconocimiento del arte de la región. Sobre todo del arte conceptual. "A finales de los 80, había un incipiente conocimiento de arte, con artistas que fueron a París y Nueva York. Pero el verdadero reconocimiento se empezó a dar cuando artistas con un concepto más urbano fueron tenidos en cuenta. Porque antes lo latino era lo exótico: artistas figurativos que narraban hechos políticos y pintaban indios o mujeres exóticas. Ahora apenas se empiezan a reconocer mundialmente, de manera precaria, otros valores".
Ese reconocimiento se ve reflejado en los precios: "Económicamente, es un momento muy interesante. Pasamossesiopor una crisis de casi dos décadas y ahora vemos cómo el arte de Latinoamérica crece muy rápido. Me refiero a los precios de los artistas modernistas y jóvenes contemporáneos. Antes nadie vendía sobre 10 mil dólares. Una obra de Obregón no pasaba de 20 mil. Llegar a cifras de seis números (100 mil dólares) era muy difícil. Pero de repente ya hay mercados y se llega a cifras de siete números", dice. Estos últimos, por lo menos, en el caso de los maestros.
El ambiente es de optimismo, más cuando muchos consideran que otros mercados además de caros ya han sido muy explorados y han llegado a límites solo alcanzables para muy ricos. Además, las ferias internacionales reciben mejor a los latinos. En la pasada feria Arco, una obra de la colombiana Rosario López (representada por Casas Riegner) fue comprada por la Fundación Bergé, de España. Para Ariel Jiménez, curador de la Fundación Patricia Phelps de Cisneros, el arte latino siempre ha sido bueno pero empieza a ser tenido en cuenta. "Ahora hay más visibilidad porque hoy hay universidades con cátedras sobre arte latinoamericano y varias han apoyado artistas durante una década". Alejandra Von Hartz (de Alejandra Von Hartz Gallery, de Miami) cree que antes el arte de este lado del planeta no tenía suficiente reconocimiento. "Nosotros siempre hemos estado tan lejos de los lugares donde el arte se ha movido, pero ahora la información corre muy rápido. Antes la gente no conocía nada de la historia del arte latinoamericano, por lo menos no en inglés, y eso era clave. Ahora, Internet disparó todo".
Y si la red abrió el camino al de estos lugares, ¿por qué no elevó el precio en otros sitios?
El coleccionista cubano-americano Luis Palomo responde: "En Latinoamérica hay obras y artistas de gran calidad, si se les compara con los europeos, pero se vende a precios que para ellos resultan muy bajos. Entonces la gente se pregunta ¿por qué voy a pagar 20 mil dólares por un chino desconocido cuando un latino cuesta la mitad y menos? Todo esto está ayudando a valorizar el arte de la región y se está convirtiendo en excelente negocio".
Por eso coleccionistas y galeristas reconocen que el bajón del dólar con relación al euro y la debilidad de las monedas latinas hace que los europeos se puedan llevar muy buenas obras de este lado del mundo por precios por los que una galería europea no se las dejaría ni ver. Catalina Casas, de la galería Casas Riegner de Bogotá, con un buen desempeño en la reciente feria española Arco donde representó a varios colombianos, cree que hay que tener cuidado; "Los dealers no se pueden emocionar. Hay que ser inteligentes para no quemar el mercado". Así que el momento para formar una colección con arte latino parece ser ahora. Diego Costa, director de la pasada feria Arteaméricas dice que el asunto está en descubrir nuevos talentos que se consiguen por precios de cuatro cifras (en dólares) y no solo mirar obra de consagrados. Claro, a no ser que sea tan rico como para poder ir a la fija y colgar en la sala de su casa un Botero de un millón de dólares, por ejemplo.
POR DIEGO GUERRERO - COLOMBIA
EXPOSICIONES - ARGENTINA
CONEJO DE VIAJE
Liniers presenta
El dibujante Liniers presentará Conejo de viaje, pasado mañana, a las 19, en El Ateneo Grand Splendid (avenida Santa Fe 1860). Lo acompañará Fernando Peña y musicalizarán Kevin Johansen y Lisandro Aristimuño.
PAISAJES URBANOS
Arquitectura y pintura
El miércoles abre la muestra "Paisajes urbanos", de la arquitecta Luciana Levinton, que podrá verse hasta el 22 de junio, en la sala Espacio Borges del Centro Cultural Borges. La inauguración será el 5 de junio, a las 19.
MAC ENTYRE
Abstracción geométrica
Hasta el 23 de junio estará abierta al público la muestra "Abstracción geométrica", en la galería Angel Guido Art Project (Suipacha 1217). Pueden verse dibujos inéditos de la década del 50 de Eduardo Mac Entyre y obras de Roberto Aizenberg, Rogelio Polesello, Carlos Silva, Josefina Robirosa y María Silva Corcuera, entre otros. Un panorama histórico y contemporáneo de esta tendencia estética.
RUSSAFART 2008 - VALENCIA - ESPAÑA
Se trata de una actividad pionera en Valencia donde los talleres se abren al público para mostrar como trabajan los artistas en sus lugares de reflexión y creación.
La iniciativa pretende que «nos conozcamos entre nosotros y veamos lo que cada uno hace», explica Roberto Bianchi, uno de los genios.
Bianchi es un artista plástico que trabaja el dibujo y la ilustración. Lleva en este mundo desde pequeño y en su país trabajó para varios medios de comunicación como ilustrador. Vino a España hace seis años y lleva tres afincado en Valencia. «De cara al público pretendemos romper con el sistema establecido de galería, artista... aquí cada uno hace de su casa su propia galería», cuenta Bianchi.
ARTISTAS POLIFACÉTICOS
Un total de 22 talleres y 8 espacios con 69 artistas, entre pintores, escultores, fotógrafos y videoartistas se suman a esta manifestación que descubre lo que acontece en las paredes del barrio y muestra que existe un colectivo latente de individuos que expresan lo que piensan a través de sus creaciones.
Pero la mayoría de veces los artistas no lo tienen fácil, hay muchas piedras que sortear que en ocasiones hacen que no se pueda vivir del arte sino sobrevivir al arte.
Para Bianchi el problema es tener que pertenecer a determinados círculos. «No me gusta tener que moverme con parámetro de empresario en algo que me resulta totalmente lo contrario».
Flavia trabaja la técnica del ensamblaje. El arte es elitista pero , según ella, últimamente esta cambiando. «Ahora es más abierto y hay una fusión de géneros». Adiós a las míticas celebridades, ahora lo que se lleva es ser un artista polifacético. Los directores de cine pintan cuadros y hacen música, las actrices se vuelven cantantes y las cantantes escriben libros.
Pero todavía ciertas formas de arte no terminan de cuajar. «Aquí llegan cosas que se ven como nuevas pero que en el extranjero ya se han hecho. Valencia vive un retraso respecto a otras ciudades pero por otro lado está bien porque hay mucho con que experimentar», dice Flavia.
Sin duda, una oportunidad única para adentrarse en las entrañas de lo artístico y ver de primera mano como ‘nace' una obra de arte.
PRIMER FESTIVAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO
GUADALAJARA - MÉXICO
Puerto Vallarta será sede del Primer Festival de Arte Contemporáneo, del 28 de mayo al 1 junio, donde participarán 21 artistas, ocho panelistas y tres galerías de arte de México y de la ciudad de Los Ángeles, California.
Bajo el título de Fronteras Extendidas: Cartografías Cambiantes, el festival promoverá un diálogo activo entre artistas mexicanos y de la ciudad de Los Ángeles, sobre el concepto de fronteras extendidas, la globalización e identidades híbridas, enmarcadas dentro del contexto de la demografía cambiante de Puerto Vallarta.
Coleccionistas y amantes del arte podrán ver exposiciones, proyectos de arte público con proyección de videos e instalaciones a lo largo del malecón y en otros puntos estratégicos de la ciudad, y participar en diferentes paneles de discusión, que se efectuarán en espacios abiertos y áreas públicas.
Todos los artistas participantes han expuesto obras en prestigiosos museos de México y Estados Unidos, muchos de ellos en la Bienal del Museo Whitney, de Nueva York.
Algunos de los artistas que participarán del festival son: Francis Alÿs, considerado uno de los artistas más importantes en la actualidad; Eduardo Sarabia, nativo de Los Ángeles y radicado en Guadalajara, cuya obra está influenciada por las intrincadas poéticas del mercado negro y el folclore norteño mexicano, y quien participa de la Bienal Whitney 2008, y Mario Ybarra Jr., artista de Los Ángeles, que también participa en la Bienal Whitney 2008 y cuyas obras han sido expuestas en el Museo Tate Modern, de Londres, y la Bienal de Praga.
Rita González, curadora asistente del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y Alma Ruiz, curadora del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, lideran los paneles de discusión. Puerto Vallarta: Arte Contemporáneo, es dirigido por Pilar Pérez, curadora residente en la ciudad de Los Ángeles.
MUESTRA DE ANÍBAL GARFUNKEL
ANÍBAL GARFUNKEL
"Black Water"
Galería de Arte RO
Paraná 1158 - Buenos Aires
Información : 4315-6467
Horario : Lun.a Vier. 11 a 20 hs.
16/05/08 - 15/06/08
MUESTRA : "TRILOGÍA PARAGUAYA"
Se inaugura hoy la muestra denominada “Trilogía Paraguaya” en la Sala de Exposiciones Jacinto Rivero del Centro Paraguayo Japonés. Los artistas nacionales que exhibirán sus obras son José Farías Queiróz, Norma Büttner y Arius Romero. La misma quedará habilitada al público hoy a partir de las 19:30 horas y permanecerá abierta hasta el 31 de mayo.
En la oportunidad los artistas presentarán trabajos realizados en pintura al óleo en mediano y gran formato donde predominan elementos de la naturaleza. La muestra estará habilitada al público hasta el viernes 31 de mayo.
SOBRE LOS AUTORES
José Farías Queiróz, asunceno, desde su juventud desarrolló su vocación por el arte; especialmente la pintura. Fue instruido por los profesores Verdún, Battione, Camargo, Paoli, Arius y Butter, de quienes adquirió experiencia y la variedad en la elección de temas de sus obras.
Norma Büttner, nacida en San Bernardino, desde niña sintió inclinación por expresarse a través del dibujo, lo que la llevó a conocer a Olga Blinder, su profesora de Artes Plásticas en el Colegio Goethe. Años después, el profesor Park le guía en sus primeros pasos en la pintura al óleo, técnica que la ocupa hasta hoy.
Arius Romero, oriundo de Asunción, desde muy pequeño empezó a dibujar todo lo que observaba. Fue adentrándose cada vez más en la práctica del dibujo, inspirado en los sueños de infancia, en la naturaleza que lo inquietaba y motivaba a crear sus primeras figuras. Años más tarde, conjugó el impresionismo, el surrealismo y el cubismo con un estilo propio que él denomina fusión .
SUBASTA EN HONOR A POVARCHÉ
Subasta en honor a Povarché
La producción de artistas locales representa el mayor envío de la historia a las subastas de arte latinoamericano
ESPAÑA - Los Artistas podrán beneficiarse de la reventa de su Obra
Los artistas plásticos españoles podrán empezar a disfrutar del trozo de pastel que les corresponde en el multimillonario negocio del arte. Por fin van a tener derecho a una participación económica en la reventa de sus obras, según anunció ayer el Ministerio de Cultura, aunque para empezar a repartir, antes hay que aprobar la modificación necesaria de la Ley de Propiedad Intelectual.
El Gobierno quiere adaptarse así a la normativa aprobada por el Parlamento Europeo en septiembre de 2001. Este derecho de seguimiento se ha empezado ya a aplicar en otros países europeos, aunque con desigual resultado. Conocido por los franceses como droit de suite, afecta a los autores de obras de arte gráficas o plásticas: pinturas, collages, dibujos, grabados, estampas, litografías, esculturas, tapices, cerámicas, objetos de cristal, fotografías y piezas de vídeo arte, entre otras.
Este derecho se aplicará a todas las reventas en las que participen -como vendedores, compradores o intermediarios- profesionales del mercado del arte tales como salas de ventas, galerías, marchantes de obras y, en general, cualquier persona física o jurídica que realice habitualmente actividades de intermediación en este mercado.
La cantidad media, que habrá de ser siempre pagada por el comprador, se sitúa en torno al 3%, aunque la cifra varía en función del precio. El máximo será el 4%, cuando se sobrepasen los primeros 50.000 euros del precio de la venta. El mínimo, el 0,25%, cuando la primera reventa pase de 500.000 euros. En ningún caso el importe total del derecho podrá pasar de 12.500 euros.
José Giménez, director general de Bellas Artes, explicó ayer a EL PAÍS que el texto ha sido remitido ya a todas las entidades afectadas. Jiménez reconoce que la aplicación puede ser difícil por cuanto no todos los artistas están asociados a VEGAP, la única entidad que gestiona los derechos de los artistas. "Fiscalizaremos al milímetro todo el proceso, de forma que tanto los asociados a VEGAP como los no asociados reciban lo que les corresponda".
Todo el mundo parece estar ahora mismo en un compás de espera hasta que se presenten las alegaciones y se conozca la redacción definitiva. La aplicación de este derecho sobre la reventa en beneficio de los artistas ha levantado ya ronchas en un mercado tan asentado como el francés. El seguimiento de las sucesivas ventas, lo que podría denominarse el currículo de la obra de arte, parece ser la mayor dificultad.
Los artistas consultados opinan que la aplicación de este derecho, reclamado desde hace muchos años por los creadores, tiene que beneficiar a los más jóvenes y a todos aquellos que han entrado en el mercado con ventas muy bajas, y que ahora esas mismas obras disfrutan de precios de escándalo sin que el creador vea un euro extra. "Cuando se trata de grandes herederos, no hay problema", advierte Eduardo Arroyo. "Las familias de Matisse o Picasso pueden controlar su recaudación. Otra cosa son los más jóvenes". El artista y académico Miquel Navarro espera el máximo rigor y añade que él nunca se ha beneficiado de la reventa. "Ni un céntimo. Espero que salgamos rápido de esta injusticia".
EL ARTE VOLVERA A TABACALERA - ESPAÑA
El centro de Tabacalera de San Sebastián acogerá del 19 de julio al 5 de octubre una gran exposición de arte contemporáneo de Latinoamérica con obras de 25 artistas procedentes de Argentina, Brasil, Chile y Colombia, entre otros países.
Los organizadores destacan que esta exposición colectiva estará compuesta por una selección de obras de la prestigiosa colección Daros-Latinoamérica, el más importante proyecto en torno al arte contemporáneo de América Latina en Europa, con sede en Zurich.
En total se exhibirán una treintena de obras, muestras del arte más actual y comprometido junto con obras de las últimas décadas, ofreciendo así una visión de algunas de las corrientes artísticas más significativas desde los años 60 hasta hoy.
Obras maestras
Tabacalera acogerá así durante el verano grandes obras maestras de importantes artistas brasileños como Cildo Meireles, Valeska Soares o Ernesto y obras pertenecientes a una corriente más conceptual, con fuertes componentes políticos y sociales como las del uruguayo Luis Camnitzer.
No sólo habrá obras, también habrá trabajos audiovisuales
Por otro lado, la exposición mostrará un amplio abanico de trabajos audiovisuales, tanto video-instalaciones, como proyecciones y trabajos más relacionados con el campo cinematográfico.
Si la ciudad donostiarra no se mostraba muy contenta por el uso que está teniendo el nuevo centro renovado de Tabacalera, ésta será una muestra más del potencial que puede tener esta instalación, ahora habrá que ver la respuesta del público.
EXPOSICIONES EN ARGENTINA
Tim Dinter , historietas de Alemania, a las 19, en Av. Corrientes 2038. Informes: www.vinetas-sueltas.com.ar .
Marcelo Grosman y Raúl Flores , fotografías, a las 19, en Honduras 4882. 4833-9499.
Martín Blasko , 60 años de arte, en Juncal 885. Informes: 15-5039-5776.
Claudio Curuchet , pinturas, a las 19, en Reconquista 974.
Dolores Lipandri , Almas a las 19, en Arroyo 858. Inf.: 4393-0803.
Horacio Politi , óleos, acrílicos y dibujos, en Sarmiento 364. Cierra el 13 de junio.
Alicia Puy , Personajes de la historia, óleos, en Perú 272. Cierra el 6 de junio.
Alejandra Winkhaus , gra-bados en la inauguración de la galería Encontré arte y diseño; a las 19, en Cochabamba 580. Informes: 15-6674-8964.
Colectiva , Anticipos del Bicentenario, a las 19, en Av. F. Alcorta 2263. Inf.: 4809-5649.
Colectiva , Exposición cultura subyugada, a las 19, en Rufino de Elizalde 2831. 4808-0553.
BECARIOS DEL ARTE
RUBEN RIVERA PARA PRIMERA HORA
Dedicarse al arte a tiempo completo es un lujo que pocos artistas pueden darse. Muchos han tenido que acostumbrarse a utilizar el rato libre, luego de una larga jornada de trabajo, para sus momentos de creación artística. De igual manera, los materiales que se utilizan para la elaboración de una pieza pueden llegar a ser muy costosos, lo que puede convertirse en una limitación para ellos.
Sin embargo, como una manera de mitigar estos obstáculos, algunos se dan a la tarea de solicitar becas u otras ayudas económicas a entidades caracterizadas por colaborar con el arte. Una de éstas es la beca anual que otorga la compañía automotriz Lexus, a diferentes artistas jóvenes, para la realización de una pieza que luego será exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC). Para este año, fueron seleccionadas las propuestas de los artistas Camilo Carrión, Denise Santiago Rodríguez y Jason Mena.
Becas para los Artistas
Las becas Lexus para Artistas comenzaron a otorgarse en el 2003. Desde entonces, todos los años se escogen, entre un grupo de propuestas, aquellas que cumplen con las exigencias de creatividad y exploración del grupo seleccionador. Las mismas consisten en un premio por la cantidad de $7 mil para cada uno, con lo que los artistas trabajarán en una obra durante todo un año. Una vez concluidas, las piezas serán exhibidas en el MAC por espacio de mes y medio.
El presidente de Lexus en Puerto Rico, Mario Dávila, explicó, durante la ceremonia de entrega de las becas celebrada en el Museo, que “el arte fortalece nuestra sensibilidad cultural como país y por eso es una de las prioridades de Lexus. Es nuestra responsabilidad dar paso al talento nuevo, buscar nuevas fuentes de creatividad entre los artistas emergentes para ayudarlos a crecer y a la vez nutrirnos de sus obras”.
Camilo Carrión
El artista Camilo Carrión posee un bachillerato de la Escuela de Artes Plásticas y una maestría en arte de la Universidad Autónoma de México. Actualmente trabaja como maestro de dicha disciplina en la escuela secundaria de la Universidad de Puerto Rico, por lo que divide su tiempo entre el trabajo y la creación artística. Sus obras utilizan como origen lo cotidiano, el entorno urbano en el que transcurre su vida.
Este año, presentó su solicitud para las becas Lexus por segundo año, por lo que considera que “hasta cierto punto ya me tocaba”. La obra que propone se llama La construcción de lo cotidiano, una colección de imágenes tecnográficas y cortometrajes que documenta la manera acelerada en que se desarrolla la urbe, a la vez que cohabita con sujetos que no necesariamente se adaptan tan rápidamente al cambio.
Denise Santiago
Éste es, también, el segundo año que Denise Santiago presenta su propuesta para las becas Lexus, sin embargo “esta vez sentía que estaba haciendo un trabajo mejor preparado”. De igual manera, “estoy muy contenta porque tengo un año completo para la realización de mi trabajo y porque tengo un poco de libertad económica para hacerlo”, señaló.
Santiago se graduó en artes gráficas y, actualmente, labora en este campo y como voluntaria en un asilo de ancianos. De ahí que sea consciente de las necesidades de ese sector de la sociedad y que dedique su obra a ello. Su propuesta lleva por nombre Forget me not y consiste de cuatro imágenes fotográficas, enmarcadas en gran formato, que tocarán el tema de la marginación de los ancianos. Éstas serán complementadas por una serie de tarjetas postales y un buzón para que el público envíe mensajes a las personas representadas en la obra.
JAson Mena
Para Jason Mena, “se siente muy bien haber sido seleccionado, pues es un logro importante dentro de mi currículo, además de que esto es un proyecto que llevo pensando desde hace muchos años”, mencionó. Mena señala que desde pequeño mostró talento para el dibujo, pero sus estudios, al comienzo, fueron en mecánica industrial. Trabajó muchos años en esta profesión, pero luego decidió regresar a la universidad a estudiar arte y se graduó de la Escuela de Artes Plásticas.
Para esta propuesta, y aprovechando los conocimientos que adquirió cuando trabajó, hace unos años, montando equipos de música para casas y carros, presenta la obra A Visual Representation Through the Exploration of the Sound. La pieza es una instalación principalmente sonora en donde se presenta la unificación entre lo visual y el sonido a la vez que plantea la asociación entre el arte y las ciencias. En ella presenta sonidos que relaciona con los movimientos del sistema planetario, del cual, comúnmente, sólo nos llegan imágenes.
Para más información sobre las becas Lexus o sobre los artistas becados en esta edición, te puedes comunicar al Museo de Arte Contemporáneo al 787-977-4030.
ANTONI TAPIES
La Sala Municipal de Exposiciones de la Iglesia de las Francesas de Valladolid acogerá desde el día próximo día 30 de mayo y hasta el 6 de julio, la exposición "ANTONI TAPIES. Obra gráfica" que presenta mas de medio centenar de obras originales de TAPIÈS, uno de los grandes artistas españoles del arte universal del siglo XX.
Los valores y características de Tàpies se mantienen en su producción gráfica, sólida y contundente, un trabajo que transmite con igual violencia y pasión, la fuerza expresiva y la forma emotiva presentes en toda su obra, y demuestra el importante papel que esta modalidad puede desempeñar en la producción de un artista, toda vez que influye en el pensamiento creador mediante la asimilación de nuevas técnicas. La obra gráfica de Tapies se asemeja, en cuanto a su carácter y su desarrollo, con su pintura y escultura, ya que el enfoque artístico es fundamentalmente el mismo: un trabajo personal donde prima la inscripción, una escritura no basada en la palabra sino en símbolos y signos ideados por el autor en el que aparecen jeroglíficos, garabatos, grafittis, partes del cuerpo, cruces, números o letras imposibles en una grafía exclusivamente material .
La extraordinaria coherencia plástica presente en toda la obra de Tàpies se encuentra también en su gráfica, no obstante, los componentes del grabado – los efectos de la tinta, el papel y la presión de la prensa; las especiales características de la línea y la superficie que permiten las numerosas técnicas; y, usualmente, la escala más reducida –influyen en la expresión y el significado. Uno de los aspectos esenciales del lenguaje de Tàpies es la pulsión, diríamos pasión, violenta y rotunda con la que aborda sus cuadros, la fuerza de los trazos precisos, de las letras y palabras mediante las cuales ha ido construyendo su universo más particular y característico.
El grabado contemporáneo normalmente refleja tendencias que se daban en alguna otra parte, dentro del arte, bien que con diferente énfasis. Aunque ciertas técnicas de grabar han florecido de manera intermitente durante el período contemporáneo, Tapies ha trabajado siempre la litografía y el aguafuerte. Combinando la técnica del collagraph, el carborundo, el flocado y el collage tradicional, a menudo construye un relieve escultórico sobre superficies convencionalmente planas, generando una notable tactilidad que se corresponde con su trabajo en la pintura y que va dirigida tanto a las yemas de los dedos como a los ojos. Se trata de variaciones sobre los mismos temas, con su característico dibujo libre y gestual y un cromatismo restringido y riguroso, donde los claros se recortan contra campos más oscuros y de menor densidad.
Antoni Tapies
Nacido en Barcelona en 1923, a los veintidós años renunció a la carrera de Derecho para dedicarse de lleno a la pintura, arte que abordó a través del collage (hojas de periódico, papel de estaño, cuerdas) y de pinturas terrosas que presentan grattages(raspaduras) y graffiti. En esta primera etapa de su vida crea, con otros artistas e intelectuales catalanes, el grupo «Dau al Set»(1948). Este movimiento ampara sus primeras exposiciones, que ya ponían de manifiesto su interés por el surrealismo.
Hacia 1949, renunciando a los efectos de la materia, se dedica a crear cuadros en los que predominan los tonos grises, aunque con interrupciones de importancia variable de colores vivos (verde, rojo), cuadros en los que aparecen impresiones textiles, signos (semicírculos, triángulos) y letras deformadas. En 1954, después de impartir un curso de arte abstracto en la universidad Menéndez Pelayo de Santander, da entrada de nuevo a la materia: trabaja los cuadros con argamasa (mezclando al óleo mármol pulverizado y usando pigmentos en polvo disueltos en látex) para reencontrar la tradición secular de un mundo fosilizado, de colorido desvaído, que en 1958 le valió el Premio Carnegie.
Su etapa posterior a 1965 pertenece a la neofiguración y al arte pobre: arpilleras, objetos rústicos y objetos cotidianos se funden en una obra que llegó a alcanzar difusión universal (Materia gris en forma de sombrero, 1966; Tres sillas, 1967; Dos cruces, 1967). En la década de los setenta, sus «esculturas en el espacio»hacen que el objeto (maderas ensambladas, sillas, ropas, libros quemados), hasta entonces estampado en hueco o modelado en relieve en el espesor de la materia, se salga de la tela para inmovilizarlo en el espacio y darle una realidad más áspera. En este aspecto Tàpies comunica al arte pobre una carga emocional muy importante. Su labor creadora ha ido acompañada, en los años setenta y ochenta, de textos teóricos (La práctica del arte, 1970; El arte contra la estética, 1974; Memoria personal, 1978; Por un arte moderno y progresista, 1985).
Paralelamente a la producción pictórica y objetual, Tàpies ha ido desarrollando desde 1947 una intensa actividad en el campo de la obra gráfica. En este sentido, vale la pena destacar que el artista ha realizado un gran número de carpetas y libros de bibliófilo en estrecha colaboración con poetas y escritores como Alberti, Bonnefoy, Du Bouchet, Brodsky, Brossa, Daive, Dupin, Foix, Frémon, Gimferrer, Guillén, Jabès, Mestres Quadreny, Mitscherlich, Paz, Saramago, Takiguchi, Ullán, Valente y Zambrano, entre otros. Asimismo, Antoni Tàpies ha desarrollado una tarea de ensayista que ha dado lugar a una serie de publicaciones, algunas traducidas a distintos idiomas: La práctica del arte (1971), El arte contra la estética (1977), Memoria personal (1983), La realidad como arte. Por un arte moderno y progresista (1989), El arte y sus lugares (1999) y Valor del arte (2001).
21 de Mayo de 1471 nació ALBRECHT DÜRER
Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer) (Núremberg; 21 de mayo de 1471 - Núremberg; 6 de abril de 1528)
El artista más famoso del renacimiento alemán conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos. Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Nuremberg.
Su padre, Alberto Durero el Viejo, era orfebre y fue el primer maestro de su hijo. De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas alemanes no tenían dificultad en adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos como Robert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden.
El concepto empírico del mundo de la gente del norte (basado más en la observación que en la teoría) era el nexo común. Durante el siglo XVI el fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas de los humanistas italianos por el norte de Europa, infundieron nuevas ideas artísticas al mundo del arte alemán, de tradición más conservadora. Para los artistas alemanes resultaba difícil conciliar su imaginería medieval —representada con ricas texturas, colores brillantes y figuras con gran lujo de detalle— con el énfasis que los artistas italianos ponían en la antigüedad clásica, los temas mitológicos y las figuras idealizadas.
Combinar el interés empírico por los detalles naturalistas
La tarea que Durero se planteó fue la de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano. En su abundante correspondencia —especialmente en las cartas al humanista Willibald Pirckheimer, amigo suyo toda la vida— y en diversas publicaciones, Durero hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran la clave para el entendimiento del arte renacentista italiano y, a través de él, del arte clásico. Desde aproximadamente 1507 hasta su muerte, tomó notas y realizó dibujos para su tratado más conocido, los cuatro libros que forman el Tratado de las proporciones del cuerpo humano (publicado póstumamente en 1528).
Sin embargo, otros artistas contemporáneos suyos, con una orientación de tipo más visual que literaria, ponían mayor atención en los grabados en planchas de cobre y madera de Durero, que en sus escritos dirigidos a orientarlos en la modernización de su arte con desnudos de corte clásico y temas idealizados, propios del renacimiento italiano.
Después de estudiar con su padre, Durero entró con 15 años de edad como aprendiz del pintor y grabador Michael Wolgemut. Entre 1488 y 1493, el taller de Wolgemut se dedicó a la considerable tarea de realizar numerosas xilografías para ilustrar la Crónica de Nuremberg (1493) de Hartmann Schedel, y es probable que Durero recibiera una instrucción exhaustiva de cómo hacer los dibujos para las planchas de madera.
Durante toda la época renacentista, el sur de Alemania fue centro de muchas publicaciones y era común que los pintores de ese periodo estuvieran también cualificados para realizar xilografías y grabados para ellas. Como era costumbre entre los jóvenes que habían acabado su periodo de aprendizaje, Durero emprendió un viaje de estudios en 1490. En 1492 llegó a Colmar, donde intentó entrar en el taller del pintor y grabador alemán Martin Schongauer que, cosa que no sabía Durero, había muerto en 1491. Los hermanos de Schongauer le aconsejaron que se dirigiera al centro de publicaciones de Basilea, en Suiza, para buscar trabajo.
En Basilea y después en Estrasburgo
Durero realizó ilustraciones para varias publicaciones, entre las que se encuentra Das Narrenschiff de Sebastian Brant en 1494 (traducida en 1507 como La nave de los locos). Durante esta primera etapa de su vida, comprendida entre su aprendizaje y su regreso a Nuremberg en 1494, su arte refleja una enorme facilidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle.
Dichas cualidades son especialmente evidentes en una serie de autorretratos, entre los que se encuentra uno de sus dibujos más antiguos (1484, Albertina, Viena) que hizo a la edad de 13 años, un retrato de expresión seria dibujado en 1491 (Colecciones de la Universidad, Erlangen, Alemania), y otro retrato en el que aparece como un joven seguro de sí mismo (1493, Louvre, París).
Después de casarse con Agnes Frey en Nuremberg en 1494, Durero viajó a Italia. Allí realizó acuarelas de paisajes con gran minuciosidad de detalle, probablemente durante su viaje de regreso, como por ejemplo una vista del castillo de Trento (National Gallery, Londres). Durante los diez años siguientes en Nuremberg, desde 1495 a 1505, produjo un gran número de obras que le ayudaron a asentar su fama. Entre ellas destaca la serie de ilustraciones para grabar en madera de El Apocalipsis (1498), los grabados de La gran fortuna (1501-1502) y La caída del hombre (1504).
Éstas y otras obras de este periodo muestran, en su conjunto, una maestría técnica cada vez mayor en el arte de la xilografía y el grabado, un manejo de las proporciones humanas basado en los textos del escritor romano Vitrubio y una brillante capacidad para incorporar detalles de la naturaleza en obras que reflejan la realidad con gran naturalidad.
En 1497 pintó su Autorretrato (Museo del Prado, Madrid) y en 1500 el de la Pinacoteca de Munich, en el que se representa con las características que habitualmente se atribuyen a Cristo, y expresa de forma visual la preocupación que demostró durante toda su vida por elevar la categoría del artista por encima de la del mero artesano. Durero volvió a viajar a Italia entre 1505 y 1507. En Venecia conoció al gran maestro Giovanni Bellini y a otros artistas, y la Fundación de Comerciantes Alemanes le encargó una obra importante, el retablo de La fiesta del Rosario (1506, Museo Nacional, Praga).
En 1507 regresó a Nuremberg donde comenzó un segundo periodo de una ingente producción artística con obras como el retablo para la iglesia de los dominicos de Frankfurt (1508-1509, destruido en un incendio en 1729), la tabla de la Adoración de la Trinidad (1508-1511, Museo de Viena), Eva (1507, Museo del Prado, Madrid), retratos, y numerosos grabados, entre los que se encuentran dos ediciones de la Pasión, los grabados en madera para el Arco del triunfo encargo del emperador del Sacro Imperio Romano Maximiliano I, y una serie de grabados como El caballero, la Muerte y el Diablo (1513), San Jerónimo (1514) y La Melancolía (1514).
Mediante la técnica de líneas Durero consiguió crear en sus grabados diferentes variaciones de sombras con las que logró plasmar formas tridimensionales. En 1520 Durero se enteró de que Carlos I, sucesor de Maximiliano I, iba a viajar desde España a Aquisgrán para ser coronado emperador del Sacro Imperio Romano. Durero había recibido una pensión anual por parte de Maximiliano y tenía la intención de que Carlos I mantuviera esa asignación.
Viaje a Aquisgrán
Emprendió el viaje a Aquisgrán, que financió vendiendo grabados y otras obras durante el trayecto, y de allí pasó a los Países Bajos entre 1520 y 1521. Su diario nos proporciona un fascinante relato de estos viajes, de las audiencias de los monarcas y de los recibimientos que le brindaron sus compañeros artistas, especialmente en Amberes. Su audiencia con Carlos I resultó satisfactoria.
Regresó a Nuremberg, donde habría de permanecer hasta su muerte, el 6 de abril de 1528. Sus últimas obras son dos grandes tablas en las que están representados Los cuatro apóstoles (c. 1526, Alte Pinakothek Munich), que ofreció como regalo a la ciudad de Nuremberg. La calidad de la obra de Durero, la cantidad prodigiosa de su producción artística y la influencia que ejerció sobre sus contemporáneos fueron de una importancia enorme para la historia del arte.
En un contexto más amplio, su interés por la geometría y las proporciones matemáticas, su profundo sentido de la historia, sus observaciones de la naturaleza y la conciencia que tenía de su propio potencial creativo son una demostración del espíritu de constante curiosidad intelectual del renacimiento.
NEW EVENT IN TAORMINA - ITALY
Aurum auction house and tèa art gallery present:
An auction of contemporary art reserved exclusively for artists in search of a market.
HIGHLIGHTS:
Auction
Excelsior Palace Hotel
Via Toselli,8
7th July 2008
09:00 p.m
EXPOSITION
Tèa Art gallery
Via Giovanni Di Giovanni, 36
4th,5th and 6th July 2008
10:00 a.m. - 09:00 p.m
At last a door has been opened to Artists in search of a market.
With the precious contribution of the "tèa" art gallery in Taormina, the ambition of our event, called
The image of talented artists, who fold up their easel and put away their tubes of paint, is the one we want to avoid. This is how we got the idea of involving quiet, elegant Taormina, the international showcase, seen and visited by thousands of people coming from all over the world, in an event without precedent in Italy. The just reward for dozens of artists coming from all over Italy and abroad.
Our contemporary art auctions, which we will continue, in the future, to reserve for artists in search of a market, are a serious and interesting proposal that favour the freedom of buyers to be able to select works from different styles, techniques and topics, but above all the freedom of artists to indicate the starting price of their works at auction. In fact, the auction house has had a marginal impact on this subjective and specific problem.
Freedom of decision, without the influence or mental lucubrations of invented "art critics", freedom from fees composed of multi-digit numbers and from positive criticisms dictated, only, by personal profits.
The price of a work of art, established by the artist himself, by his common sense, by his reasoning and also by his passion, can also be synonymous with the word "sacrifice", but it will not be a pointless sacrifice, but rather an investment in his future.
An appeal, that many will criticise and reduce to demagogy and qualunquismo, to art masters and teachers at Academies of Fine Arts, so that they also, with their extensive preparation, may support their pupils, not only by teaching the true basics of art, but also be directing them toward economic markets; the other side of the coin. We have heard many stories of artists who, in their contemporarity, were considered mediocre and who,
instead, in their post-contemporarity were praised and celebrated. Were the critics of that time wrong or are we wrong now?
I finish with a promise: the next auction will be held among people, in an Italian square, like in the times of the ancient Romans, where they used to sell the possessions of public Treasury debtors around a spear embedded in the ground (sub asta vendere). So, I invite Italian Public Administrators to give some thought to the social, cultural and economic aspect of this idea that would be totally new for the art world, usually accustomed to static events: fairs, exhibitions and shows organised in enclosed, predefined spaces. A travelling market, a moving hub of attraction for the public and, why not, for dealers, collectors and art enthusiasts in general.
Come forward. The door is finally open.
Good luck and a successful auction for everyone.
MARÍA BRUNEREAU
Responsible Department Communications
Aurum Auction House srl
Via Calatabiano, 44
Catania - ITALY
openartaurum@gmail.com
http://www.equilibriarte.org/openartaurum
http://www.aurumaste.com
Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla - España
Más de 150 artistas de todo el mundo, 20 de ellos españoles y seis andaluces, se darán cita en la próxima edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (Biacs3), que se celebrará del 2 de octubre de 2008 al 11 de enero de 2009, bajo el título de Youniverse, en la capital hispalense, aunque también en Córdoba y Granada, donde se expondrán 13 y 22 piezas, respectivamente.
En total, la Biacs ha cerrado acuerdos, o se encuentra negociando, con 159 creadores, que llevarán a cabo unas 181 instalaciones y obras, de las que 135 se podrán visitar en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) de Sevilla, 11 en el resto de la ciudad, 13 en el Alcázar de Córdoba y 22 en el Palacio de Carlos V de Granada. De todas las piezas, 26 serán creadas expresamente para la Biacs3 y, de éstas, tres cuartas partes estarán en el CAAC y el resto en los cascos urbanos de las tres ciudades citadas.
Los contenidos de la muestra, centrada en la multiculturalidad de Al Ándalus y las nuevas tecnologías, han sido diseñados por el equipo de comisarios integrado por Peter Weibel, director general del Centro para el Arte y la Tecnología de Karlsruhe (Alemania); Wonil Rhee, comisario de exposiciones coreano; y Marie-Ange Brayer, directora del Centro Regional de Arte Contemporáneo de Orleáns (Francia). Todos ellos presentaron la lista de artistas -que incluye algunos nombres tan cotizados como los de Bill Biola y Nam June Paik- en una rueda de prensa a la que asistieron el alcalde, Alfredo Sánchez Monteseirín, la consejera de Cultura, Rosa Torres, y el presidente de la Fundación Biacs, Fernando Franco.
Los comisarios explicaron que el proyecto expositivo contiene, entre otras propuestas, una aproximación interdisciplinar a las relaciones entre arte, ciencia y tecnología, arquitectura y medio ambiente en el contexto global de la sociedad de la información. Y recordaron que el título Youniverse representa la interactividad de cada individuo con el universo.
El comisario de la Bienal garantizó que "con esta exposición Sevilla se convertirá en el centro del universo del arte contemporáneo, mostrando piezas de artistas que van de Brasil a Corea". Además, aclaró que la lista de artistas aún no está cerrada, ya que están en conversaciones con algunos para conseguir que bajen los costes o requisitos técnicos, y aún tienen pendiente visitar la semana próxima a artistas nacionales en varias exposiciones. En total, espera contar con una veintena de españoles, de los que "cinco o seis" serán andaluces.
La muestra estará estructurada en cuatro áreas. La primera ofrecerá una visión retrospectiva de las obras maestras del media art y está comisariada por Peter Weibel. En la segunda sección y bajo el título Transit Technology, Wonil Rhee presentará las propuestas de una veintena de artistas para tratar de demostrar cómo el arte se relaciona con las ciencias y las tecnologías. El tercer apartado abordará las transformaciones de la arquitectura mediante el uso de nuevos programas informáticos y está comisariado por Marie-Ange Brayer, quien reunirá 45 trabajos de arquitectos y estudios especializados. La sección cuarta estará repartida por Sevilla, en espacios públicos de la ciudad como parques, la Plaza Nueva, la estación de Santa Justa o el aeropuerto.
ENTRE LA ILUSIÓN Y LA REALIDAD
Estreno en ArteStudio
El tradicional teatro Artestudio estrena este fin de semana "Los árboles mueren de pie" de Alejandro Casona en versión adaptada de Facundo Falabella en la sala Alfredo Castagnet de Gorriti 39.
La tradicional sala de Gorriti será escenario para uno de esos pocos escritores que han sabido mezclar tan bien esa parte de locura que tiene la vida, y esa parte de cordura que tienen los sueños: el asturiano Alejandro Casona (1903-1965).
"Los árboles mueren de pie" está considerada una de sus mejores obras y también una de las más representativas del autor. A partir de una acción que se desarrolla en una institución de carácter filantrópico, el espectador es testigo del choque violento que se produce entre fantasía y realidad, con el triunfo, en esta obra, de la última. Durante los 70 minutos que transcurren desde el inicio a la caída del telón se logra pasar por la emoción, la risa, la ternura y el drama. La abuela, interpreteda alternativamente por Liliana Goldschmith y Alicia Valdunciel, tiene toda la fuerza de los personajes trágicos y constituye el elemento central de la obra. Con su temple y fuerza domina las circunstancias adversas, se enfrenta a una dolorosa realidad y cuando se siente desfallecida no quiere que la vean caída, sino: "muerta por dentro pero de pie como un árbol".
El teatro impresionista y simbólico de Casona consigue, en Los árboles mueren de pie, una de las piezas más brillantes por el juego de dos mundos: el de los deseos y el de la realidad.
Se plantea si es lícito o está mal mentir para salvar una vida que parece arruinada, y hasta que punto podemos aceptar un engaño.
Si, en los protagonistas, hay un rechazo del realismo por su exceso de brutalidad, y una aceptación de la fantasía como sustituto, al final los personajes, con un gesto de energía humana, comprenderán que aceptar esa realidad, aunque dolorosa, es la forma más hermosa y digna de vivir la existencia.
La tradicional sala de Gorriti será escenario para uno de esos pocos escritores que han sabido mezclar tan bien esa parte de locura que tiene la vida, y esa parte de cordura que tienen los sueños: el asturiano Alejandro Casona (1903-1965).
"Los árboles mueren de pie" está considerada una de sus mejores obras y también una de las más representativas del autor. A partir de una acción que se desarrolla en una institución de carácter filantrópico, el espectador es testigo del choque violento que se produce entre fantasía y realidad, con el triunfo, en esta obra, de la última. Durante los 70 minutos que transcurren desde el inicio a la caída del telón se logra pasar por la emoción, la risa, la ternura y el drama. La abuela, interpreteda alternativamente por Liliana Goldschmith y Alicia Valdunciel, tiene toda la fuerza de los personajes trágicos y constituye el elemento central de la obra. Con su temple y fuerza domina las circunstancias adversas, se enfrenta a una dolorosa realidad y cuando se siente desfallecida no quiere que la vean caída, sino: "muerta por dentro pero de pie como un árbol".
El teatro impresionista y simbólico de Casona consigue, en Los árboles mueren de pie, una de las piezas más brillantes por el juego de dos mundos: el de los deseos y el de la realidad.
Se plantea si es lícito o está mal mentir para salvar una vida que parece arruinada, y hasta que punto podemos aceptar un engaño.
Si, en los protagonistas, hay un rechazo del realismo por su exceso de brutalidad, y una aceptación de la fantasía como sustituto, al final los personajes, con un gesto de energía humana, comprenderán que aceptar esa realidad, aunque dolorosa, es la forma más hermosa y digna de vivir la existencia.
Alicia Valdunciel, Liliana Goldsmith
Perla Alfageme, Patricia Salamoni,
Marcela Yacomela, Cristina Severino
Susana Tanov, Victoria Lopata,
Silvina Tumini
Juan Sebastián González
Guillermo Sánchez
Gonzalo Cenizo
Gustavo Dodero y Esteban López
Asistente de Dirección: RAFAEL MAZA
Idea y Dirección General: FACUNDO FALABELLA
LA CITA ES EN GORRITI 39
Bahía Blanca - ARGENTINA
Próximo Sábado - 21.30 hs
Idea y Dirección General: FACUNDO FALABELLA
LA CITA ES EN GORRITI 39
Bahía Blanca - ARGENTINA
Próximo Sábado - 21.30 hs
DEBAJO DEL SOMBRERO
Desde hace más de 30 años, en California funciona el Centro de Arte de Crecimiento Creativo, un taller artístico donde se encuentran artistas con y sin discapacidad que intercambian saberes y que han hecho del arte un modo de vida.
Con el propósito de conocer la experiencia y rodar un documental Lola Barrera viajó a California en 2004, y ahí nació su idea de poner en marcha en España un proyecto similar. En octubre del año pasado, y en colaboración con la asociación Pauta, que trabaja con personas con trastorno de autismo, y el Hogar Don Orione, que da apoyo a personas con un alto grado de discapacidad, la iniciativa empezó a funcionar con el nombre Debajo del Sombrero.
Las personas con discapacidad intelectual son las principales protagonistas de esta plataforma, donde se crea, produce y difunde arte. “Se trata de salir del contexto de la discapacidad y entrar en el contexto del arte, de poner en marcha procesos conductores en los que primero escuchamos lo que nos proponen los creadores con discapacidad y luego les acompañamos”, explica Lola Barrera, directora artística de Debajo del Sombrero.
En los meses que lleva funcionando, Debajo del Sombrero ha reunido y puesto en común el trabajo de artistas con y sin discapacidad. Cada miércoles por la mañana, los artistas con discapacidad intelectual se pasan por el espacio Intermediae para la creación contemporánea de Madrid y participan en un taller de procesos creativos.
En este espacio participa Roberto, un joven que, como otros dos compañeros con un nivel de comunicación bajo, se interesa por el sonido y “explora el espacio golpeando, buscando sonidos diferentes”, señala Lola Barrera. En el grupo también hay personas que pintan y otras que, como Carlos, con una parálisis cerebral que sólo le permite mover la cabeza, forma parte del equipo que filma cada una de las sesiones de Debajo del Sombrero.
“Cualquier proceso creativo nos ayuda a construirnos porque la persona genera una visión propia del mundo y una comunicación con él”, advierte la directora artística de Debajo del Sombrero, que añade que aunque la mayoría de los artistas que participan en el taller no tiene la capacidad de hablar, “el arte suple esta comunicación verbal”.
http://www.debajodelsombrero.org
UNA SUBASTA SURREALISTA
Foto : AP
El único manuscrito completo que se conoce del célebre "Manifiesto Surrealista" escrito por Breton, será subastado el miércoles.
CENTRO POMPIDOU DE PARÍS
PARÍS.-
La estampa de Goya "Nada. Ello dirá", el grabado número 69 de "Los Desastres de la Guerra", abrió en el Centro Pompidou la exposición multidisciplinar "Traces du Sacré" (Huellas de lo sagrado), profunda exploración de las huellas de lo sagrado en el arte moderno.
Al igual que el grabado de Francisco de Goya y Lucientes, en el que un esqueleto sale de su tumba con un papel en la mano donde aparece escrito "Nada", la muestra puede tener diversas lecturas, pero ante todo la tesis de partida de que el arte moderno y contemporáneo surgió del abandono de lo religioso.
Para demostrar que gracias a ello la búsqueda de lo absoluto actuó de manera contundente en la creatividad de los artistas del siglo XX y de sus precoces maestros, los comisarios Jean de Loisy y Ángela Lampe reunieron más de 350 obras de 200 grandes artistas, de Caspar David Friedrich (1774-1840) a Bill Viola (1951) o Maurizio Cattelan (1960).
Visión contemporánea
Creados en su mayoría entre finales del siglo XIX a la actualidad, con especial hincapié en el siglo XX, cuadros, dibujos, fotografías, esculturas, instalaciones, vídeos, construcciones y montajes utilizan los materiales más variados, incluido el polvo de diamante, que da brilló a "Diamond Dust Shadow" (1979), de Andy Warhol.
El gris domina la sala dedicada al joven muchacho en pantalones cortos, rezando, de rodillas, frente a un muro, también gris, visto de espaldas hasta que el visitante descubre al acercarse a él al "Hitler" (2001), de Mauricio Cattelan.
El recorrido de la muestra que podrá contemplarse hasta el próximo 11 de agosto es cronológico-temático. Comienza en "la muerte de Dios", "la afirmación de la nada, del vacío" y la "nostalgia del infinito", para terminar entre las "sabidurías orientales" y "la sombra de Dios", tras haber pasado por "sacrificios", "ofensas", "danzas sagradas", "escatología", "elevaciones" o "revelaciones cósmicas.
El difícil discernimiento filosófico entre el bien y el mal constituye la trama de la exposición artística, razón por la cual el comisario Jean de Loisy dio el puesto número uno a la estampa goyesca en la que "una especie de gnomo negro y fantasmagórico sujeta una balanza del bien y del mal", dijo el experto.
Planteamiento
Según Jean de Loisy , el arte del siglo XX reconsideró el papel del hombre en la creación. "En consecuencia, su relación con la religión también cambió, sin ver cómo este hombre nuevo modificó la imaginación de otro mundo. Esta es la clave para leer la historia del arte del siglo XX, y comprender su nacimiento.
Muestra amplia
Grandes museos e instituciones europeos y numerosos coleccionistas prestaron obras representativas de las huellas sagradas que marcaron la historia del arte del siglo XX, gracias a Kandinsky, Malevich, Picasso, Dalí, Barnett Newman, Jerzy Grotowski, Max Ernst, Otto Dix, Marcel Duchamp o John Giorno.
BRUNELLA PERNIGOTTI
"La clessidra vuota"
di Brunella Pernigotti
Ed. Montedit
sabato 24 maggio 2008
ore 18.00
c/o Libreria "Il tempo ritrovato"
via Po 59/D - Torino
ingresso libero
Mostra fotografica, musiche e reading del libro associate alla presentazione.
Sarà presente l'autrice
Come sempre, siete tutti invitati.
Daniele D'Antonio
http://badnightcafe.alteravista.org
EXPOSICIÓN DE ALEJANDRA WINKHAUS
http://www.artmajeur.com/winkhaus
Las puertas de ENCONTRÉ se abrirán el jueves 22 de mayo con una exposición de la artista plástica Alejandra Winkhaus.
Winkhaus, en esta ocasión presenta obras gráficas, denomina a sus trabajos "geografías internas", con vistas que pueden ser ambiguas, con espacios intimistas o panorámicos.
Nos seduce con la cercanía de un detalle, pero simultáneamente presenta un espacio inmenso lindante al infinito y busca colocar al espectador, por veces, en el lugar de un ser integrado en el juego de mirar y ser mirado.
ENCONTRÉ tiene como una de sus premisas destacar y cuidar a los artistas, recibir a los consagrados, estimular a los emergentes poniendo foco en la zona del Casco Histórico, e integrar la casa al hecho artístico desde la desnudez de su identidad: una majestuosa puerta que separa las salas, pinoteas, bovedillas y ladrillos de más de cien años en altura y hasta el aroma tan particular de las casas de la zona de los "bajos de San Telmo".
ENCONTRÉ presenta exposiciones mensuales. Además, con estética escenográfica, se aprecian muebles con diseño y se destacan bancos para que el público pueda observar en reposo, disfrutar y sentir en su propio tiempo.
El catering de inauguración es de Populus Art & Food.
encontrearte@gmail.com
15 6674 8964
MOA REUNE A ARTISTAS PLÁSTICOS
El Noveno Encuentro Nacional de Escultores, Pintores y Ceramistas, denominado ESPINCE-2008, se desarrollará en el municipio minero metalúrgico de Moa del 19 al 25 de mayo próximo.
Al ofrecer la información Idania Salazar, Directora de la Galería de Arte local, destacó que las actividades tendrán lugar en los parques Las Auroras y Comandante Pedro Sotto Alba, ambos en esta ciudad industrial del oriente cubano, además de extenderse las propuestas hasta la Universidad moense.
Como característica distintiva en esta nueva edición de ESPINCE, en Moa, se realizará el Pincel de la Solidaridad, con un intercambio de los artistas con jóvenes extranjeros que se encuentran estudiando en la localidad y son fieles amantes de la arte plástica.
El Salón Competitivo Confrontación, será también una de las propuestas de este Octavo Encuentro Nacional, al que han confirmado su asistencia hasta ahora participantes de 10 provincias del país, entre ellas La Habana, Camagüey, Holguín y Matanzas.
RADIO ANGULO DIGITAL
IMPULSESART - "COLORI NELL' ARIA CONCURSO
COLORI NELL' ARIA:
questo è il titolo del nuovo concorso indetto da Impulsesart, Associazione
Culturale a cui fa capo il sito web www.impulsesart.it , ed è ispirato e
collegato alla consacrata manifestazione internazionale, la più grande in
Italia, dedicata alle mongolfiere Ferrara Balloons Festival.
Con soli 20 Euro avrai la possibilità di vincere un pernottamento per due
persone ed un entusiasmante viaggio panoramico su Ferrara, a bordo di una
mongolfiera, offerto dall'organizzazione del Festival Internazionale dei
Balloons. Verrai premiato ufficialmente sul palco allestito
dall'organizzazione del Festival e parteciperai alla mostra di pittura in
una galleria di Ferrara dal 19 al 28 settembre 2008, per tutta la durata
della manifestazione.
IL TEMA
"Ciò a cui l'uomo ha aspirato, da sempre, è stata la possibilità di
carpire, agli uccelli, l'emozionante segreto del volo. Dai tentativi di
Icaro ai giorni nostri la sperimentazione e la tecnologia, sempre più
sofisticata, hanno creato mezzi grazie ai quali l'uomo può spostarsi
rapidamente da un continente all'atro. Il fascino del silenzioso e
rilassante itinerare, tra l'azzurro del cielo ed il bianco candido delle
nuvole, è però possibile riscoprirlo grazie ai variopinti palloni. Da qui il
titolo "Colori nell'aria", un tema che dovrebbe stimolare non solamente il
lato estetico-visivo dell'artista, ma anche la creatività che scaturisce dal
bisogno di una ricerca spirituale.Amici artisti, chiudete gli occhi e,
immaginando di essere trasportati dal vento, lasciate che, paradossalmente,
siano la fantasia e le emozioni a guidare la vostra mano nel colorare il
cielo."
Cari artisti potete già scatenare la fantasia perchè da oggi, 20 maggio
2008,sono aperte le iscrizioni!
Buon lavoro dallo staff di Impulsesart (www.impulsesart.it) e dall'organizzazione del Ferrara Balloons Festival www.ferrarafestival.it
1) fare il "LOGIN" dalla Home Page
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